染雾声乐演唱外国论文范文 篇一
标题：声乐演唱的技巧和表现力
在声乐演唱领域，技巧和表现力是两个非常重要的方面。技巧是指歌唱者通过训练和练习所掌握的技术，包括呼吸控制、音域扩展、发声技巧等。表现力则是指歌唱者通过演唱来表达情感和传达故事的能力。
在声乐演唱中，技巧是基础。首先，呼吸控制是一个关键的技巧。通过正确的呼吸方法，歌唱者可以保持稳定的气息流动，使得声音更加稳定和持久。此外，音域扩展也是一个重要的技巧。通过练习不同的音阶和音程，歌唱者可以扩展自己的音域，使得演唱更加多样化和丰富。发声技巧也是不可忽视的一项技巧。歌唱者需要学习如何正确地发声，包括喉咙的放松和声带的运用，以确保声音的质量和稳定性。
除了技巧，表现力也是声乐演唱中不可或缺的一部分。表现力是歌唱者通过演唱来传达情感和故事的能力。歌唱者需要理解歌曲的意境和情感，并通过声音和表演来表达出来。例如，在演唱悲伤的歌曲时，歌唱者可以通过音色的改变和咬字的处理来表达出悲伤的情感。同时，歌唱者还需要注重舞台表现力，包括姿势、肢体语言和面部表情等。通过细腻的表演，歌唱者可以更好地与观众产生共鸣，使演唱更加生动和有吸引力。
技巧和表现力是声乐演唱中相互依存的两个方面。技巧为表现力提供了基础，而表现力则使得技巧更加生动和有感染力。因此，对于声乐演唱者来说，不仅需要不断提升自己的技巧水平，还需要注重表现力的培养。只有技巧和表现力同时发展，才能使声乐演唱达到更高的水平和艺术境界。
声乐演唱外国论文范文 篇二
标题：声乐演唱的文化差异与融合
声乐演唱是一门跨文化的艺术形式，不同国家和地区的声乐演唱具有各自独特的文化特点。随着全球化的发展和文化交流的增加，声乐演唱的文化差异和融合也成为一个重要的话题。
首先，不同国家和地区的声乐演唱在音乐风格上有明显的差异。例如，意大利歌剧以其浪漫主义的风格和高度技巧的唱法而闻名于世，而中国的戏曲唱腔则注重声音的变化和音调的处理。这些不同的音乐风格反映了每个国家和地区独特的音乐传统和文化背景。
其次，不同的语言和发音方式也对声乐演唱的表达产生影响。不同国家和地区的歌曲使用不同的语言进行演唱，每种语言都有其独特的发音特点和韵律规律。因此，演唱者需要学习和掌握不同语言的发音方式，以准确地传达歌曲的意境和情感。
然而，随着全球化的进程，声乐演唱的文化融合也越来越明显。越来越多的歌唱者开始尝试跨文化的演唱，将不同国家和地区的音乐元素进行融合。例如，有些歌唱者会将西方流行音乐和东方传统音乐相结合，创造出独特的演唱风格。这种文化融合不仅丰富了声乐演唱的形式，也促进了不同文化之间的交流和理解。
总而言之，声乐演唱的文化差异和融合是一个复杂而有趣的话题。不同国家和地区的声乐演唱具有各自独特的音乐风格和表达方式，同时也有着共同的追求和交流。通过文化差异的理解和融合，声乐演唱可以不断发展和创新，为观众带来更加丰富多样的音乐体验。
声乐演唱外国论文范文 篇三
【摘 要
】美声唱法，原意美丽的歌，通常译作“美声唱法或美声歌唱”，是指17和18世纪之时，注重音色美的一种歌唱方法。本文先介绍美声唱法的起源、特点及美声唱法的基本要素，通过理论与实际学习相结合，探讨了美声唱法学习的方法，以期在学习和实践中不断提高和完善，唱出优美、动听的歌。
【关键词
】美声；唱法
一、美声唱法的历史起源
美声唱法是从西欧专业古典声乐的传统唱法发展而来，自文艺复兴逐步形成的。当时的西方音乐更多的是建立在多声部教堂音乐、复调音乐基础上，唱法本身脱离不了宗教音乐的影响，男女唱法一样，只是声部不同，高低也不一样。最初的歌剧以阉人代替女生来唱，由女中音代替男生来唱。随着歌剧剧情的发展，一些情感激烈的戏剧性唱段，阉人的唱歌满足不了表达剧情激烈发展的需要，于是歌唱家们努力探索钻研，改进自己的唱法，以适应剧情的需要，这样就产生了今天表现力丰富多彩的美声唱法。
美声唱法以声色优美，发声自如，音与音的连接平滑匀净，花腔装饰乐句流利灵活为其特点，但因忽视词义表达上的细致，故常表现出追求声音效果，炫技和程式化的倾向，它自产生以来，其演唱风格及演唱技巧，一直随时代以及所演唱作品的发展，这种演唱方法由于具有很强的科学性，因此是歌唱艺术中最具权威和代表性的唱法之一。
二、美声唱法的特点及表现形式
美声艺术有近400年的历史了，在意大利美声学派的渊源下，又相继发展和确立了德国学派、法国学派、俄罗斯学派、英国学派。由于它的发声科学，声音优美，表现丰富，得到世界公认和接受，是公认的最完美的声乐艺术。其特点归纳起来有：
（1）音域宽广，声区统一。真正的美声歌唱家都具有三个八度左右的宽广的音域，并能使三个声区得到完美的统一。
（2）声音连接圆滑和优美。在演唱的所有音域里，音与音之间，都要非常圆滑地连接在一起，不允许有任何破音，音色不能忽明忽暗，音量不能忽大忽小，力度不能忽强忽弱。
（3）明亮松弛，讲究高位置。美声唱法的音质有明亮松弛、穿透力很强的声音特点，而这种音质是高位置技能训练而产生的。美声唱法非常讲究高位置安放、高位置起音、高位置的训练。
（4）灵活华彩，轻巧俏丽。美声唱法与其他唱法不同的最突出的特点是声音有极大的灵活性，可以任意演唱复杂而华彩的飞速音阶和装饰性花腔，这种非凡的花腔技巧是通过特殊的发声技能训练出来的，是其他任何一种唱法都没有的声音技巧。
（5）重视呼吸，用气歌唱。在一个音上，开始时唱得淡一些，然后强度逐渐增强增大，色彩也逐渐加深。到达顶点后，声音再逐渐减弱到开始的色彩和力度上。这种唱法叫一个音上的渐强渐弱。这一声音技巧是来自有控制的呼吸艺术。美声唱法从一开始的训练就非常重视呼吸的艺术，要求每一个声音都要气息支持，要均匀地托在气息上，要用气歌唱，他们的格言是：不会呼吸，就不会歌唱。
（6）注意内涵，表现丰富。“贝尔康托” 的意思并不局限到单纯的声音技巧上，它代表着“美好的歌唱”、“美好的表现”。因此美声艺术在音乐表现上不但有严格的技术规范，而且还要求对音乐有深层的理解和体验，并能生动地塑造音乐形象，以求达到震撼人心的艺术感染力。
三、美声唱法的基本要素
美声唱法的基本要素包括呼吸、发声、共鸣和语言四个部分。呼吸是动力，气息冲击声带发出声音，这声音经过共鸣腔体把它加以扩大和美化，而形成动听的歌声。在歌唱活动中，呼吸、发声、共鸣这三者是同时出现的有机结合的统一体。这三者的关系是这样的：如果没有呼吸，没有共鸣，嗓子的运用也不存在。只有用上美声唱法中所需要的呼吸，共鸣，嗓子才能唱出歌唱所需要的声音。歌唱乐器还有一个区别于其他乐器所独有的特点就是语言。自然界各种动物、昆虫都能发出声音各异的鸣叫，鸟儿能有动听的叫声。各种乐器能够奏出美妙的音乐，但是，只有歌唱乐器能够发出带有语言的音乐来，而其他任何乐器都不能发出带有语言的音乐。因此，语言是人类歌唱所独有的特点，它使歌唱艺术在传情达意上独具特色。歌唱的四个基本要素有着内在的密切联系，在歌唱时，四者是一个整体，不可分割。语言跟前三者也是一体，由于语言的改变，其他三者也随之有所改变。
四、美声唱法在中国的传播和发展
1.美声歌唱在我国的起源
美声是在20～30年代传入我国的，至今已有70余年的历史。早在20～30年代，中国就有美声风格的艺术歌曲问世。如黄自的《思乡》、《春思曲》、《玫瑰三愿》；青主的《黄水谣》、《黄河怨》、《黄河之恋》；聂耳的《铁蹄下的歌女》《塞外村女》、《告别南洋》；贺绿汀的《嘉陵江上》；夏之秋的《思乡曲》；张寒晖的《松花江上》等等。
这些歌曲绝大多数是选用中国古代诗歌和现代歌词作为创作源泉，它的音乐创作、艺术趣味、歌曲风格，在很大程度上都有着西洋艺术歌曲的风味，而不是民歌风味。它需要用庄重而优美的美声与清晰纯正的民族语言相结合，才能表现出这些艺术歌曲的韵味来。事实上，中国艺术歌曲的创作对我国的美声艺术的传播一直起着重要的作用。至今这些作品仍是美声教学教材中不可缺少的一部分，并广泛在音乐会上演唱。
我国早期的声乐教育家、歌唱家喻宜萱、周小燕、黄友奎、郎毓秀等，大都在国外接受过正规的美声训练。从30年代起，他们就以纯正的美声技巧积极活跃在中国的舞台上。他们不但频繁地举办各种形式的音乐会，并主演西洋歌剧，能很好的胜任那些难度很大的西洋歌剧咏叹调。此外，他们还长期从事办学、教学，为我国培养了大批的美声优秀人才，如：张权，高艺兰、孙家馨，黎信昌等，对我国的声乐艺术的发展有着重大的贡献。
2.美声歌唱在中国的现状
解放后，党和国家对美声艺术的发展和教育给予了极大的关注和支持。解放初期就在全国大城市创办了国家级音乐学院，设立了以美声为主的声乐系、歌剧系，建立了良好的学习条件和学习环境，制定了高标准的培养目标，并且又向国外输送很多公费留学生。
声乐演唱外国论文范文 篇四
内容摘要：
文章以西方音乐史中惯用的断代史为时间范畴，结合实例分析“音乐家”在各个时期所特具的不同社会角色与地位。
关 键 词：
音乐家 西方音乐史
纵观西方音乐史，从古希腊罗马到近现代的各个时期，我们发现从事音乐之士的角色、地位明显不同，而当下的“音乐家”概念应该是到了古典主义时期才正式走上历史舞台。笔者拟简要分析西方音乐史中各个历史时期“音乐家”的社会角色与地位，以期有助于理解西方的音乐作品及其历史。
一、古希腊古罗马时期——雾霭中的音乐家
那时的具体音乐现已无从得知。文献中记录有弹里尔琴的阿波罗和吹阿夫洛斯管的狄奥尼索斯。我们能够找到的只是先哲们的“音乐”观念及思想。毕达哥拉斯的“音程可用数学比率来表现”使人们对音响及它们间的关系持理性态度；亚里士多德等认为音乐具有道德力量；波伊提乌说：“音乐是一门用理性和感官仔细鉴别高音低音之别的学科。音乐家是有教养有理性的思想家，能评判演奏家和作曲家。”由此看来，古代真正的音乐家应该先是哲学家和评论家。另外由于音乐与诗歌、戏剧和舞蹈密不可分，音乐家还担当诗人、剧作家的角色。总之，那时的音乐家远比现在的概念要宽泛。
二、中世纪——宗教的代言人
继古罗马的享乐主义之后，中世纪力主禁欲主义。在经院哲学与普世主义的枷锁下，旧有的一切都被“保护”， 荣耀上帝成为唯一的目标。神圣崇高的格利高里圣咏作为教会布道传递福音所不可或缺的手段，与教仪一起掌控人类的精神生活。写作音乐的行家被冠以天赋、神祗等字眼儿。音乐实际上成为教会仪式的载体，而并非独立的艺术。无论是圣母院乐派的奥尔加农，还是奥克冈的四声部经文歌，本质上都首先是宗教的，然后才是艺术的。音乐家及其音乐作品此时就一个身份——宗教的代言人。
三、文艺复兴——得到贵族资助的家臣
在科技、经济大发展的历史背景下，理性的觉醒和人性的复苏使艺术家们逐渐脱离宗教的桎梏，开始强调自我的实现与个性的解放。缺乏音乐训练的人将被视为没受过教育，专业音乐家已经出现，并形成勃艮第（王国）乐派、尼德兰乐派、威尼斯乐派及罗马乐派等独具特色风格的群体。勃艮第王公贵族的政治地位和充足的钱财保证了包括迪费在内的音乐家们得以尽情施展才华；邓斯泰布尔在英国公爵的帮助下赴欧洲大陆传播自己的音乐；若斯坎相继在米兰、罗马等地供职于宫廷和教堂。宫廷文化兴起，超过教会成为音乐家的“保护人”，虽然人性意识的回归促使音乐家在作品中更多地表现情感、阐述自己的音乐观，但他们依旧要靠贵族的资助才能够生存，从实际意义层面上讲，音乐家及其作品都是贵族的依附品。
四、巴罗克——开始迎合公众趣味的音乐家
在以君主专制为主要政治倾向的巴罗克时期，资产阶级不断同封建势力作斗争。中产阶级聚集财富并开始与贵族抗衡，社会团体逐渐形成。随着第一座剧院在威尼斯的开幕，音乐开始走向公众。作曲家们不再仅以神旨或王侯的意图来创作，而是必须考虑公众趣味。这一点我们尤其可以从歌剧的诞生、发展及演变的过程中得到证实。威尼斯乐派的蒙特维尔第正是为了表达诸如愤怒、节制等大众感情才首创了震音、拨弦奏法；观众的口味又是导致威尼斯歌剧渐趋程式化的重要原因之一。
从幽暗教堂中神圣音乐的回响，到宫廷灿烂绚丽的乐声，再到如今弥漫于日常场景中的音乐，这门艺术终于开始渐渐体现出新型的自由生命力。
五、古典主义——宫廷与公众的联袂
封建专制势力依旧坚不可摧，公众对音乐的热情丝毫不减。经济社会地位占强势的贵族仍持有对音乐绝对的赞助和决定权，维也纳三杰生命过程的异同从一定程度上体现了音乐家角色和地位的决定性改变。海顿几乎一辈子在埃斯特哈奇府邸担任“音乐仆人”；莫扎特同萨尔斯堡大主教的决裂是导致他生活窘迫的直接原因。此时的音乐家们在创作中拥有更大的自主权，但总的说来，他们必须考虑公众的态度和资助者的愿望而无法脱离贵族真正拥有独立的社会地位。
贝多芬依靠出版乐谱等获得生存的保障，历史上关于贵族们对他的顶礼膜拜及他蔑视权贵的典故数不胜数。正是从他那个时候起，“音乐家”就成为了灵感的化身、天才的代言人，逐渐作为独立的个体正式走上历史舞台。
六、浪漫主义——独立的个体
贵族保护制度几乎彻底消失，音乐家需要依靠社会与自己的力量生存，他们比以往任何时候都更加关注公众的口味。对个人演奏或创作技巧水平尤为注重，从而不断提升自己的社会地位，音乐会也由此日见兴起。这是个性得以极大释放的时期，一个歌唱的时期，它造就了无数辉煌的演奏奇才、演唱名角和作曲大师，个性的完全释放，接受层面的极度膨胀，经济、社会的突飞猛进等各种因素使音乐家拥有了前所未有的独立角色，而当人们在瓦格纳的乐剧中嗅到了“新音乐”的气息之时，一个崭新的音响世界才真正扑面而来。
七、近现代——传统音乐的颠覆者
浪漫派音乐家极力摆脱古典大师的笼罩，近现代的音乐家也面临类似的挣扎与取舍。相比资产阶级大革命和启蒙运动来说，两次世界大战给人类的创伤和震撼是前所未有的。古典曲式的规整与浪漫的歌声在灾难中显得异常疲软，艺术家们都在痛苦地思索着艺术的方向和人类的命运。他们不依附于任何所谓的保护制度，不再沉迷于个人情感，而是对音乐本质做出更多样化的思考与尝试，由此出现了各式各样的“流派”。新古典主义者斯特拉文斯基极力追求抽象性，由标题音乐转向了绝对音乐；表现主义在阿尔班·贝尔格的戏剧性作品中达到高潮。节拍可以不断变化，节奏脱离了标准形式，旋律不再根据与人声的关系来构思，摩天大楼式和弦出现，大小调体系崩溃，诸如此类的传统音乐概念都在近现代的音乐家手中被彻底颠覆。
“音乐家”从远古的综合性概念直至演变为当今的革新者，其中不乏政治、科技、经济与文化的作用，也有各个学科间的相互影响，甚至地理、环境等外围因素也会对他们起到间接的作用。从中我们能够触摸到音乐的发展脉络，也能更好地理解作为人类精神阐释者的音乐家的不易与可贵之处。
声乐演唱外国论文范文 篇五
由远古时期至今，人类最初音乐体现形式便为声乐。从声乐艺术诞生一刻，同人类生活便形影不离密不可分了。声乐美学相关理论同其它音乐美学相关理论是存在明显区别的，声乐美学属于音乐美学一个分支，研究对象与研究方法方面寻找音乐美学基本规律，并会参照学科实际情况而有所改变。为了更好引入美学视野下声乐艺术相关内容，接下来本文首先对美学含义进行阐述[1]。美学含义：美学为人类与动物存有最大区别一类自然感受感官审视反应，美学研究方法也更加偏向于多样化。美学源自于哲学，但是美学还不是任何学科所属品，它为社会美，环境美与生态美等概念集合体，为人类指出事物存在美感并为事物赋予美概念。美学这一词汇来自希腊aisthetikos演化，最开始意义便为感官感受。传统美学旨在对艺术作品进行研究这也是美永恒不变定律。接下来我们再对音乐美学概念进行诠释，音乐美学：基于音乐学与美学基础上，又开辟出音乐美学这一分支。音乐学领域内，它也为该体系领先学科。十八世纪末，德国一位作家，音乐理论学家把音乐美学概念引出，但音乐美学可以真正成为一门学科，则是在经过几十年以后十九世纪下半页构筑而来。至今天为止，音乐美学研究对象和相关内容也都未形成固定言论[2]。也可以说，所谓音乐美学其实为专门对音乐进行研究当中存在美与审美特征等学科。
声乐演唱外国论文范文 篇六
论文关键词：音乐风格差异
论文摘要：音乐文化博大精深，中西方音乐也是各有千秋、互存不同。中国传统音乐是在中华民族悠久的历史活动中积累的丰富的审美经验，由于滋生土壤的差异，它显然有别于西方古典音乐。本文通过对中西方音乐的论述，对比了两种音乐的不同。
音乐是民族情感的血脉，是文化的外延，是文化孕育出来的精华的一种结晶形式，也是文化意志的灵魂。和语言一样，音乐有着民族性和地域性的差异，由于中西方巨大的文化差异，导致中西方音乐上巨大的不同。探讨中西方音乐文化的差异对于我们正确学习和研究中国传统音乐美学思想及西方音乐美学思想，吸取精华，去除糟粕，建立现代音乐美学体系，有着重要的意义。
一、中西方音乐的风格特征
中国音乐有着数千年的历史积淀，且受庄婵影响较大，追求神话出世。勤劳质朴、尊重传统、崇尚中庸等成为一种集体潜意识，渗透在社会领域的各个方面。中国音乐的风格特征首先表现在音乐的线条方面，中国音乐是以线状为主的音乐思维方式，以表现曲调为主，属于单音音乐体系，旋律直接生成于诗、词、曲声韵的音响色彩。其次表现在音乐的和谐方面，我国音乐在长期实践中逐渐形成一种集体潜意识，因而和谐美成为我国音乐的重要特征之一，结构上讲究均衡、对称、平稳，以达到内与外的有机统一。再次表现在音乐的意境上，包括对虚与实的追求和讲究传神。音乐需要通过个人的技术、修养和对音乐的理解等来表达意境，只有虚实结合、动静相宜、变在其中音乐才具有魅力。中国音乐大多是写意的作品，往往用虚拟含蓄的手法表现对象，更注重神似，虽然不像西方管弦乐那样丰满厚重，但却给人以丰富的想象空间。
西方音乐史大概分为古希腊时期、中世纪时期、文艺复兴时期、巴罗克时期、古典主义时期和浪漫主义时期。早在古希腊时期，西方的哲人便强调认识，认识自然、认识自身，追求知识，崇尚理论思考和抽象思维，重视发展自然科学和人文科学。从格里高利圣咏的形成促成了教会调式理论记谱方式的早期探索，以圣咏为基础发展出继叙咏、附加段、以及影响深远的复调音乐，圭多发明唱名法，总结出四线谱来看，西方音乐的发展，离不开理性精神。西方人追求个性解放，把它视为不可侵犯的个人权利，在音乐艺术中，这种建立在个性解放基础上的情感表现获得了广阔的天地，排斥过渡的情感表现，要求冷静约束，反对膨胀的主观意识，提倡客观稳定，与中国音乐强调“和”不同，西方音乐强调的是矛盾冲突。
二、中国音乐与西方音乐的差异
中国音乐和西方音乐有着不同的深度，西方音乐的深度主要表现为深刻，而中国音乐则表现为深邃。西乐的深刻主要是指音乐思维中所体现出的一种思想、一种观念、一种情感，是就音乐所表现的主题而言的；中乐的深邃则主要是指音乐思维中所体现出的一种体验、一种感受、一种领悟，是就音乐所特有韵味而言。西乐的深刻是静态的、固定的、明晰的，是可以诉诸理性观念的；中乐的深邃是动态的、游移不定的、含蓄神秘的，它不可以诉诸理性观念，而只能借助于悟性直觉，是主题之外的审美特质。
《中国音乐审美导论》中提到：“在审美的追求上，中国音乐艺术以‘和’为理想，崇尚虚无，求空灵，讲韵味，求深邃，讲意境，求气韵生动，强调直觉与领悟，注重生命本体。这与西方音乐求深刻，强调理性与思想，把意义与情感作为精神支柱的音乐审美特点形成鲜明对比”。在西方人看来，这个世界是可以被了解的，因此审美的任务是帮助人们认知客观世界，所以西方艺术重再现和重摹仿。中国人的审美观念和西方人大不相同，中国人认为世界是不可认知的，所有的事物处于变化之中，既不可能又无必要描述客观事物，艺术倾向于重表现、重象征。 从体裁上看，西方有大量的无标题音乐，也就是所谓的早期的绝对音乐和纯音乐。比方说西方交响乐作品，交响乐、协奏曲、奏鸣曲、组曲、变奏曲等等，它本身就是一种作品的名称，所以在西方音乐当中存在着许许多多脱离具体作品标题的一种题材。中国音乐从古代到现代，绝大多数的音乐都带有文学性标题，没有形成一种纯音乐的题材，所以和西方的纯音乐的概念是不一样的。
乐器发展的差异也造成了中西音乐的不同。中国的音乐多是单音、旋律的，所以中国的乐器结构简单，多是不能演奏和声的。民族乐器比如说琵琶、扬琴、箫、笙、唢呐多以“丝”“竹”为材，故称丝竹之乐，具有柔、细、清的音乐特征；西方古典音乐是和声的、多声部的，所以乐器多很复杂，机构精细繁复，多能演奏和声，如钢琴、吉他等。西方乐器比方说圆号、小号、萨克斯等多以金属为材，故音色丰富，音域宽广，表现力强。在配器与乐队组合上，西方音乐多采用大型的交响乐、奏鸣曲、协奏曲等；中国音乐的演奏多采用独奏和几样乐器相搭配的小型合奏，以发挥乐器的独特音色。
西方人的思维具有分析性，他们的音乐是通过将音乐的音域发展最大化、音响最复杂化来表现世界。中国人的思维具有综合性，在一个小音域的范围内展示世界。一个注重“情韵”，一个注重“和谐”，从理论到实践自始至终走的就是两条路，这就是中西音乐差别的根本所在。
三、结束语
在现今这样一个多元化的世界里，既不能照抄西方音乐，也不能一味地推崇标榜中国音乐而否定西方音乐的先进艺术成果。中国音乐和西方音乐的中心都是在历史的发展中自然形成的，是不以人的意识为转移的，西方音乐的中心论即使是在今天也是正确的、没有过时的。西方音乐丰富和发展了中国音乐，有许多值得我国音乐借鉴的地方，但不能只是模仿西方音乐的架构，还要抓住其精髓。中西方音乐应该相互借鉴、相互促进，以达到两者的共同发展。
参考文献：
[1]李秋华.西方音乐史.北京大学出版社，2002.
[2]刘悦.西方古典音乐欣赏指南,宁夏人民出版社，2005.
[3]许钟荣.古典音乐400年.河北教育出版社，2004.
